Antonio Seijas "Rumore, ego, caducità, vuoto... La vera arte è così lontana e così al di sopra di questi nuovi dei" 2023 di Riccardo Rossi

(Versione italiana in basso)

- Spanish & English -

Antonio Seijas Cruz (Ares, Coruña 19 July 1976) is an art historian, illustrator, photographer, painter and author of comic books.

Falling in love with the art of Antonio Seijas (instagram.com/antonio.seijas) is one of those things that radically changes your life.
It only took me a second, when I first saw the artwork for Gazpacho's 'Night' (2007).

The beauty of those colours, of the poetry-laden vocabulary concealed within shapes and landscapes, sooner or later obliterates all resistance and becomes part of the soul of every empathetic and dreamy personality.
After some time, the need to delve deeper, to explore the soul beyond appearances became necessary, so I leave the guidance of this journey to his words.

Hello Antonio and thank you for this opportunity to get to know you better.
What does the word 'art' represent for you and at what point in your past did you sense that this 'world' would become your home? Tell us broadly what your 'path' of studies and life has been.

¡Gracias a ti! Es una pregunta complicada, bueno, más bien la respuesta podría ser compleja porque realmente nadie sabe lo que es el arte en realidad. Pero en el plano personal, en tu pregunta va un poco la clave de la respuesta porque es de verdad un hogar para mi en el sentido de que es mi manera de estar en el mundo, de intentar comprenderlo y comprenderme. Es el lugar desde donde lo habito.
Desde siempre he interpretado lo que me rodea desde un punto de vista artístico, desde muy pequeño he dibujado y he escrito sobre todo lo que me llamaba la atención. Conservo aún un “libro” que hice con apenas 5 años, en los que después de haber visto un documental sobre el cuerpo humano en la televisión me dediqué a dibujar las partes del cuerpo humano por dentro; costillas, órganos, venas, etc tratando de explicar como funciona.

Después grapé esas páginas para convertirlas en un libro.
Por eso creo que no hay un punto concreto en el pasado que me haya hecho entrar en ese hogar, imagino que como en el resto de artistas, es algo innato.
Mis estudios realmente no tienen nada que ver con lo que hago y a la vez tienen mucho que ver. Intenté estudiar Bellas Artes pero no me admitieron y entonces estudié Historia del Arte. Esto significa que a nivel práctico no tengo ningunos estudios de como dibujar, pintar, diseñar, etc Soy autodidacta. Pero a otro nivel el haber estudiado Historia del Arte me ha enriquecido mucho como persona, porque te abre la sensibilidad a tantas formas artísticas y tantas maneras de ver el mundo.

Mi camino no fue nunca algo planeado, simplemente fue el impulso vital de crear lo que me fue llevando a ir haciendo cosas que me han traido hasta donde estoy ahora, que en realidad sigo en el mismo camino, no existe una meta final en esto. Empecé a hacer algunos cómics cortos y a ganar concursos con ellos. Después hice uno largo y gané otro concurso, y así parece que me fui encaminando hacia el resto de cosas, como ilustrar un artículo de una revista, algunas portadas de libros y mi primer trabajo para Gazpacho. A partir de ahí he seguido con todo eso, y he ido añadiendo otras como la fotografía que me interesó desde niño, he publicado una novela, un libro de poesía, (acaban de confirmarme que me publicarán el segundo) he hecho exposiciones de pintura…

Thanks to you! It's a complicated question, well, rather the answer could be complicated because nobody really knows what ART really is. But on a personal level, your question is the key to the answer because it's really a home for me in the sense that it's my way of being in the world, of trying to understand it and to understand myself. It is the place from where I inhabit it. I mean, I have always interpreted what surrounds me from an artistic point of view. From a very young age I have drawn and written about everything that caught my attention. I still have a "book" that I made when I was only 5 years old, in which after watching a documentary about the human body on television I drew the parts of the human body inside; ribs, organs, veins, etc, trying to explain how it works. And then I stapled those pages together to make them into a book. I mean I think there is no specific point in the past that made me enter into that home, I imagine that as with other artists, it is something innate.
My studies really have nothing to do with what I do and at the same time have a lot to do with it. I tried to study Fine Arts but I wasn't admitted and so I studied Art History. This means that on a practical level I don't have any studies on how to draw, paint, design, etc. I am self-taught. But on another level, having studied Art History has enriched me a lot as a person, because it opens your sensibility to so many artistic forms and so many ways of seeing the world.

My path was never something planned, it was simply the vital impulse to create that led me to do things that have brought me to where I am now, which in reality I'm still on the same path, there is no final goal in this. I started making some short comics and winning contests with them. Then I did a long one and won another contest, and so it seems I started to move on to other things, like illustrating a magazine article, some book covers and my first job for Gazpacho. From then on I've continued with all that, and I've added other things like photography, which I've been interested in since I was a child, I've published a novel, a book of poetry (they've just confirmed that they'll publish my second one), I've done painting exhibitions...

Are there any artists, styles and eras that have influenced you the most?

Es muy dificil contestar a esto, sí que me acuerdo que de niño, cuando la era de internet estaba todavía muy lejos, la posibilidad de acceder al arte para mi no era muy grande, soy de un pueblo muy pequeño, y lo que podía ver de arte se reducía a los libros que mis padres tenían en casa, que por suerte era algo que sí teníamos. Recuerdo que el primer artista que llamó mi atención fue Caspar David Friedrich, me sobrecogía y me maravillaba, y lo sigue haciendo. A mi madre le gustaba mucho Van Gogh y me gustaba mucho también ojear un libro que tenía con su obra. El siguiente contacto con el arte fue en el colegio, y el que me llamó la atención entonces fue El Greco, sentí algo tan espiritual en su pintura… Esos serían mis primeros recuerdos relacionados con el arte, además de algún libro ilustrado que me podía llamar la atención o algún cómic.

A partir de ahí no tengo ningún referente concreto, creo más bien que no solo los artistas, sino que todo lo que me rodea me influye, consciente e inconscientemente. Quiero decir, todo lo que me influe como persona me influye en el aspecto artístico, también los libros que leo o las películas que veo. Todo va dejando un poso que después se refleja en el plano artístico. Me influye el entorno que me rodea, la luz sobre todo, pero el mar, la naturaleza, los olores, los pájaros, los árboles… Es como ir caminando con un receptor que va captando pequeños detalles y después necesito volcarlo en forma de creación artística, sea cual fuere.

En cuanto a los estilos, algo similar, no soy una persona que se agarre a un solo estilo ya sea porque ha sido más exitoso o porque me encuentre más cómodo. Eso no es arte. Cuando te repites porque has obtenido buenas críticas o has tenido “éxito”, o porque sabes que ahí lo harás bien… me parece que acabas siendo una caricatura de ti mismo. Es lícito, por supuesto, pero creo que el arte es más un camino de preguntas que una respuesta en forma de estilo o estatismo. Y si crees que has dado con la respuesta te has muerto como artista y tu obra va dejando de tener alma, o por lo menos es un alma que se va empobreciendo y desecando.
Me encanta experimentar con lo que cada obra me pide, buscar nuevas vías que me permitan expresar lo mejor posible lo que quiero, de la manera más precisa, aunque eso sea practicamente imposible.
Cada vez me voy sientiendo más cercano a las eras más antiguas del arte, cuanto más para atrás en el tiempo más puro voy sintiendo que es el arte. Más fusionado está con el alma, con la conexión con una suerte de fuente primigenia. Evidentemente hay cosas interesantes hoy en día, pero el arte tiende a ir más hacia el envoltorio que hacia el contenido, todo es fugaz, falto de profundidad, todo es marketing, imagen, se valora más al artista por el número de seguidores que por su trabajo en sí, que realmente es lo único importante.

Entonces el artista se preocupa más de tener un instagram bonito que de crear cosas trascendentes, que lleguen a la raiz de nosotros mismos como seres humanos. Y me doy cuenta de que a pesar de ir en contra de mis intereses más mundanos, me voy alejando más de todo ese mundo vacío. Picasso dijo algo así como que desde el arte rupestre todo es decadencia, y creo comprender cada vez mejor el sentido profundo de esa afirmación.

It is very difficult to answer this, I do remember that as a child, when the internet era was still a long way off, the possibility of accessing art for me was not very good, I am from a very small town, and what I could see of art was reduced to the books that my parents had at home, which luckily was something we did have. I remember that the first artist who caught my attention was Caspar David Friedrich, he amazed and astonished me, and he still does. My mother was very fond of Van Gogh and I also enjoyed looking through a book she had with his work. The next contact with art was when I was at school, the one that caught my attention then was El Greco, I felt something so spiritual in his painting... Those would be my first memories related to art, as well as the odd illustrated book that caught my attention or a comic book.

From then on I don't have any specific reference point, I think that not only artists, but everything that surrounds me influences me, consciously and unconsciously. I mean, everything that influences me as a person influences me artistically, also the books I read or the films I see. Everything leaves an aftertaste that is then reflected on the artistic level. I'm influenced by the environment around me, LIGHT above all, but also the sea, nature, the smells, the birds, the trees... It's like walking around with a receiver that picks up small details and then I need to turn it into an artistic creation, whatever it may be.

As for styles, something similar, I'm not a person who sticks to one style either because it's been more successful or because I'm more comfortable with it. That's not art. When you repeat yourself because you've got good reviews or you've been “successful”, or because you know you'll do well there... it seems to me that you end up being a caricature of yourself. It's permissible, of course, but I think art is more a path of questions than an answer in the form of style or statism. And if you think you've found the answer, you've died as an artist and your work ceases to have a soul, or at least it's a soul that is becoming impoverished and drying up. I love to experiment with what each work asks of me, to look for new ways that allow me to express as best as possible what I want, in the most precise way, although that is practically impossible.

Each time I feel closer and closer to the most ancient eras of art, the further back in time I go, the purer I feel that art is. The more fused it is with the soul, with the connection to a sort of primordial source. Evidently there are interesting things nowadays, but art tends to go more towards the wrapping than towards the content, everything is fleeting, lacking in depth, everything is marketing, image, the artist is valued more for the number of followers than for his work itself, which is really the only important thing.

So the artist is more concerned with having a pretty instagram than with creating transcendent things, that get to the root of ourselves as human beings. And I realise that despite going against my more mundane interests, I'm moving further away from that whole empty world. Picasso said something like that since cave art everything is decadence, and I think I understand more and more the deep meaning of that statement.

Your creations in the field of music reflect your poetics, which shines through in every line and is sublimated by the content when it becomes part of the soul of an album. Starting with your third album, you are now an 'official' member of the art rock band Gazpacho, but you have also been the creator of other artwork for other bands such as Marillion. Before delving into your long history with the Norwegian band, I would like to know more about your work in this area but also in relation to other creative fields.

Gracias por tus palabras. Hacer diseños e ilustrar albumes es algo que me encanta, porque además he tenido la suerte de ir trabajando para bandas que admiro mucho. Trabajar en algún encargo, del tipo que sea, ilustrar libros infantiles, portadas para libros, para música, etc es muy distinto a trabajar en un proyecto personal. En un proyecto personal soy yo mismo trabajando con mi material. Sale de mi y no responde ante nadie , es un proceso mental en el que sólo yo estoy involucrado. Cuando es un encargo ya entra en juego la otra parte. Mi trabajo está mediatizado por otro trabajo que puede ser texto o música, o ambas cosas como en el caso de los libretos para albumes. Como he dicho me encanta, porque tengo que partir de varios lugares para llegar a un punto en común.

Detrás de cada disco hay una idea, como detrás de cada canción, y también están las letras, que no tienen porque responder literalmente a lo que llevan detrás, es decir, pueden ser muy metafóricas. Y por otro lado está la música. Podría decir que las letras me pueden inspirar para la imagen , los motivos, etc y la música me suele inspirar los colores. Al escucharla, usualmente demos, voy sintiendo los colores que para mi la representan. Después, llegando al núcleo de la idea, se va conformando todo lo que creo que debo reflejar en imágenes. Es un proceso que puede ser muy largo o ser instantaneo, no es algo fijo, puedo ver algo, escucharlo y que una imagen aparezca en mi mente al momento o prolongarse durante semanas hasta que doy con el estilo que creo o siento que necesita, y en este caso sufro mucho, más de lo que la gente puede pensar.

Es tratar de llegar al alma de la música. Sentir el alma de una obra de arte de otra persona para poseerla y devolverla al mundo físico tras pasarla por la mía. Pero siempre teniendo en cuenta de que el resultado tiene que ser un todo, algo unitario, no que la música vaya por un lado y la imagen por el mío. Me debo a ese material.

Thank you for your words. Designing and illustrating albums is something I love, because I've been lucky enough to work for bands I admire a lot. Working on a commission, whatever it is; illustrating children's books, book covers, music, etc. is very different from working on a personal project. In a personal project I am myself working with my material. It comes from me and I don't answer to anyone, it's a mental process in which only I am involved. When it is a commission, the other party comes into play. My work is mediated by another work that can be text or music, or both as in the case of album booklets.

As I said, I love it, because I have to start from several places to reach a common point. Behind every record there is an idea, like behind every song, and there are also the lyrics, which don't have to respond literally to what's behind them, that is to say, they can be very metaphorical. And then there is the music. I could say that the lyrics can inspire me for the image, the motifs, etc. and the music usually inspires me for the colours. When I listen to it, usually demos, I feel the colours that represent it for me. Then, when I get to the core of the idea, everything that I think I have to reflect in images takes shape. It's a process that can be very long or instantaneous, it's not something fixed, I can see something, listen to it and an image appears in my mind immediately or it can go on for weeks until I find the style that I think or feel it needs, and in this case I suffer a lot, more than people might think. It's trying to get to the soul of the music.

To feel the soul of someone else's work of art in order to possess it and give it back to the physical world after passing it through my own. But always bearing in mind that the result has to be a whole, something unitary, not that the music goes on one side and the image on mine. I owe myself to that material.

Returning to Gazpacho, I believe that the beauty of your paintings goes very well with the themes dealt with in their albums, it seems almost as if it was already predestined all along to become part of splendid records such as Tick Tock, March Of Ghosts, Missa Atropos, Molok, Soyuz, Fireworker, as well as the artbook edition of last year's live Fireworking at St. Croix, in which the deluxe edition in art book format, thanks to the large pages, did full justice to the painstaking creative puzzle of your brush.
Each of these discs sees its own peculiar quality amplified by your stroke, the colours you apply and the depictions that feed on all this. How did you first come into contact with them, what fascinated you about this line-up and how do you develop the creation of a booklet for such a 'special' band?

Gracias de nuevo! El contacto fue un poco casual, ellos iban a ser teloneros de Marillion, y en el foro de la banda Jon pedía ayuda buscando a alguien que supiera español para traducir correctamente unos textos para el merchandise y me ofrecí para ayudarles. A partir de ahí vieron mi trabajo justo cuando estaban acabando el “Firebird”, para el cual ya tenían la portada pero no las imágenes interiores. Fue mi primer trabajo para un album. Y poco después fue el “Night” y hasta ahora!
Me gustaban ya Bravo, When Earth Lets Go y Firebird, grandes albumes, pero creo que con Night dieron un paso adelante para encontrar su camino, un primer album conceptual maravilloso que te va conduciendo a través de un sueño.

Te atrapan las melodías, el ritmo que va creando,la riqueza musical, las letras, la minuciosidad de su trabajo y el alma que tiene… independientemente de haberles hecho yo los diseños o no, serían una de mis bandas favoritas de igual modo.
El proceso para crear el artwork suele ser largo, más o menos empieza siempre en el momento en el que Thomas me envía una demo temprana y unos comentarios sobre la idea que hay detrás del disco y la dirección en la que creen que puede ir la parte gráfica. También alguna vez algún trozo de letras. A partir de ahí voy dándole vueltas al estilo. Tengo que sentirlo, releo los comentarios de Tom, escucho muchas veces la demo y voy dejando que me empape. En este punto normalmente el disco está muy lejos de estar terminado y todo puede dar muchas vueltas, incluso el concepto inicial del album. También es usual que los primeros diseños no tengan nada que ver con los que finalmente se usan.

En este proceso de ir encontrando la dirección del artwork está Jon también muy pendiente e involucrado, y me encanta ir escuchando sus opiniones y sugerencias, porque muchas veces me hacen pensar y darme cuenta de cosas en las que yo no había caído. Es enriquecedor. Creo que es un proceso de creación en el que ambas partes nos retroalimentamos en este intercambio de ideas desde muy pronto. A mí me hace crecer como artista sin dejar de perder la libertad, que muchas veces en los encargos se pierde. El mejor ejemplo es la diversidad de estilos en los que hemos trabajado, desde apenas trazos como en Firebird, a algo minimalista como Tick Tock a la complejidad de March of Ghosts, donde hice figuras con pasta de modelar, las colocaba un escenario, les proyectaba texturas que hacía en el ordenador, y después de fotografiar esa escena volvía a trabajar la imagen en el Photoshop.

Por eso siento más que esto es un trabajo de amor y creación conjunta más que un encargo. Es una conexión artística profunda en la que hasta en alguna ocasión he llegado a dibujar cosas que aparecían en letras que aún no me habían enviado.
Es una banda que le da importancia a todo en su conjunto, no descuida nada, y eso es algo que aprecio mucho. No es una banda que se centre en la música y sólo busque una portada “bonita” o llamativa. Realmente valoran mi trabajo, y les estoy muy agradecido.
Respecto al formato del Fireworking at St. Croix , me parece fantástico, en un mundo que se está digitalizando cada vez más, que se pueda ofrecer un producto físico de ese tamaño y calidad. Como bien dices, cambia mucho ver una ilustración a tamaño CD que a ese tamaño. En este caso son todas imágenes no usadas o primeros bocetos de los albumes que forman parte él.

Thanks again! The contact was a bit casual, they were going to be opening for Marillion, and in the band's forum Jon was asking for help looking for someone who knew Spanish to translate correctly some texts for the merchandise and I offered myself to help them. From there they saw my work just when they were finishing the "Firebird" album, for which they already had the cover but not the inside images. It was my first work for an album.

I already liked Bravo, When Earth Lets Go and Firebird, great albums, but I think with Night they took a step forward to find their way, a wonderful first concept album that takes you through a dream. You get caught by the melodies, the rhythm it creates, the musical richness, the lyrics, the meticulousness of their work and the soul it has... regardless of whether I did their designs or not, they would be one of my favourite bands just the same.
The process to create the artwork is usually a long one, it more or less always starts when Thomas sends me an early demo and some comments about the idea behind the album and the direction they think the artwork can go in. Also some lyrics from time to time. From then on I start thinking about the style. I have to feel it, I reread Tom's comments, I listen to the demo many times and let it soak in. At this point the album is usually far from finished and everything can take many turns, even the initial concept of the album. It is also usual that the first designs have nothing to do with the ones that are finally used.

In this process of finding the direction of the artwork Jon is also very attentive and involved, and I love listening to his opinions and suggestions, because many times they make me think and realise things that I hadn't realised. It's enriching. I think it's a creative process in which both parties feed off each other in this exchange of ideas from very early on. For me it makes me grow as an artist without losing my freedom, which is often lost in commissions. The best example is the diversity of styles in which we have worked, from just strokes like in Firebird, to something minimalist like Tick Tock to the complexity of March of Ghosts, where I made figures with modelling paste, placed them on a stage, projected textures that I made on the computer, and after photographing that scene I reworked the image in Photoshop. So I feel more like this is a labour of love and co-creation rather than a commission.

It's a deep artistic connection where I've even on occasion drawn things that appeared in lyrics that hadn't been sent to me yet.
It's a band that gives importance to everything as a whole, they don't neglect anything, and that's something I really appreciate. It's not a band that focuses on the music and just looks for a "pretty" or flashy cover. They really value my work, and I'm very grateful to them.
Regarding the format of Fireworking at St. Croix, I think it's fantastic, in a world that is becoming more and more digitalized, to be able to offer a physical product of that size and quality. As you say, it makes a big difference to see an illustration at CD size than at that size. In this case they are all unused images or first sketches of the albums that are part of it.

Personally, I only came across your calendar at the end of 2019, since then it has become a fixture every year, a necessity of the heart to support the light your work gives me on a regular basis.
When did you start with this 'tradition' and with what criteria do you choose the images to include in it?

Creo recordar que el primer calendario lo hice en 2007 y si te digo la verdad el criterio para escoger las imágenes es muy aleatorio, a excepción de algún año en el que hice “monográficos” de artwork del “Happiness is the Road” de Marillion, otro año de imágenes no usadas para ese mismo album y otro en que hice todo de arte de Gazpacho. En el resto de ocasiones hago un repaso por algunos de los trabajos que he hecho y voy escogiendo algo variado. Cada vez me lleva un poco más la elección porque tengo que asegurarme de que no se repiten imágenes de los años previos.

Una vez escogidas las voy adjudicando a cada mes basándome en los colores normalmente. Cuando trabajo mi proceso mental parte siempre del caos para ir colocando todo como en un puzzle, y me acabo de dar cuenta de que para hacer los calendarios también funciono un poco así. Vivo intentando encontrar sentido al caos de mi cabeza.
También he pensado alguna vez en hacer imágenes en exclusiva para el calendario, pero de momento no ha sucedido. A ver si algún año puedo hacerlo!

I seem to remember that I made the first calendar in 2007 and to tell you the truth, the criteria for choosing the images is very random, except for one year when I made "monographs" of artwork for Marillion's "Happiness is the Road", another year of unused images for the same album and another year when I did all from Gazpacho illustrations. The rest of the time I go through some of the work I've done and choose something varied.

Each time it takes me a bit longer to choose because I have to make sure that I don't repeat images from previous years.
Once I have chosen them I assign them to each month, usually based on the colours. When I work, my mental process always starts from chaos to place everything like a puzzle, and I've just realised that I also work a bit like that to make the calendars. I live trying to make sense of the continuous chaos of ideas in my head.
I've also thought about making images exclusively for the calendar, but so far it hasn't happened. Let's see if one year I can do it!

In a world increasingly isolated between the folds of the individual's selfish and insensitive conscience, of the oppression of beauty at the expense of mass consumerism, what role do you think art, of whatever kind, has or should play?

Es un tema muy complejo, como dije al principio. Pero es evidente lo que dices, estamos en una sociedad en la que cada vez predominan más los egos, no hay más que ver las redes sociales. Y por otro lado una sociedad en la idea de cultura y arte se está pervirtiendo y, consecuentemente, perdiendo. “Cultura” ya es entendido por mucha gente como “entretenimiento” con el peligro que eso conlleva. Para ellos la función de la cultura, del arte, es entretener, lo que conlleva a identificarla a través de esos parámetros. Quiero decir, el arte puede entretener, está claro, es una parte de lo que puede darnos. Pero no todo lo que entretiene es arte o cultura. Se va dejando de lado algo que creo básico.

El alma, la pureza del arte, su profundidad y trancendencia. Que toque lo más interior de lo que somos como seres humanos. No se puede valorar una obra por el número de likes, ni a un artista por el número de seguidores. Es un tema que me parece muy preocupante, no simplemente anécdótico, porque “obliga” muchas veces que a los artistas tengan que estar más preocupados de dar una imagen, de que sus muros de instagram conserven una apariencia atractiva que de crear obras trascendentes. Como dije, se tiende a que importe más el envoltorio que el contenido. Todo se ha vuelto fugaz, olvidable, falto de profundidad. Es todo vano, sin alma. Es todo un producto de consumo de ver y tirar.

Es algo que se ha visto, por ejemplo, con las series de televisión, de repente parece que la gente tiene que ver una serie tras otra, sin filtro, casi la que sea, pero no dejar de ver, una especie de voracidad salvaje e ilimitada. Ocupar cada hueco de tiempo en nuestra vida, no dejar lugar a la reflexión, al reposo dulce y calmado de las cosas.
Veo muchas pinturas de artistas que realmente pintan bien, pero la falta de alma se nota en que son obras que al momento olvidas, que parecen que a la vez que las pintan podían haber estado viendo cualquier cosa en la tele sin dejar de pintar. Y si no pones el alma en lo que haces esa obra , por muy estetica que sea, nace muerta y vacía.
El arte debería ser un instrumento importante para detener esta infantilización de la sociedad, pero no soy muy optimista con esto. La civilización tal y como conocíamos se extingue en pro de la digital, que tiene muchísimas cosas buenas, pero está sirviendo para deslumbrar, en el mal sentido de la palabra, a las cosas relevantes.

Nos ciega de su presencia. Las redes se han convertido en galerías de oda al ego, de caras con filtro para que no se vean arrugas, de fotos de lo que comes… El mundo ha cambiado, y cada vez cambia más deprisa, en todos los ámbitos. El nivel de la política, de la prensa… por poner algún ejemplo, es cada vez más bajo, y en el terreno cultural hay cada vez más oferta, pero a cambio de que el nivel global sea cada vez más pobre. Cualquier cosa vale, cualquier cosa se publica. Todo el mundo opina aunque no sepa, y todo ha de ir cubierto de ruido, luces y adornos para tapar la falta de alma.
Ruido, ego, fugacidad, vacío… el arte real está tan alejado y tan por encima de esos nuevos dioses, pero nosotros nos estamos alejando tanto de él que da miedo.

It is a very complex issue, as I said at the beginning. But it's obvious what you say, we are in a society in which egos are increasingly predominant, just look at social networks. And on the other hand, a society in which the idea of culture and art is being perverted and, consequently, lost. "Culture" is already understood by many people as "entertainment" with the danger that this entails. For them the function of culture, of art, is to entertain, which leads to identifying it through these parameters.

I mean, art can entertain, that's clear, that's part of what it can give us. But not everything that entertains is art or culture. Something that I think is basic is being left aside. The soul, the purity of art, its depth and transcendence. That it touches the innermost part of who we are as human beings. You can't value a work by the number of likes, nor an artist by the number of followers. It's an issue that I find very worrying, not simply anecdotal because, as I said before, it often "forces" artists to be more concerned with giving an image, so that their instagram walls maintain an attractive appearance, than with creating transcendent works. As I said, there is a tendency for the packaging to matter more than the content. Everything has become fleeting, forgettable, lacking in depth. It's all vain, soulless. It's all a consumer product to be seen and thrown away.

It's something that has been seen, for example, with TV series, suddenly it seems that people have to watch one series after another, without filter, almost any series but not stop watching, a kind of wild and unlimited voracity. It takes up every time slot in our lives, leaving no room for reflection, for the sweet and calm repose of things.
I see many paintings by artists who really paint well, but the lack of soul is noticeable in the fact that they are works that you immediately forget, that look like they could have been watching anything on TV while they were painting, and if you don't put your soul into what you do, that work, no matter how aesthetic it is, is born dead and empty.
Art should be an important instrument to stop this infantilisation of society, but I'm not very optimistic about it. Civilisation as we knew it is dying out in favour of digital civilisation, which has a lot of good things, but is serving to dazzle, in the bad sense of the word, the relevant things.

It blinds us to their presence. The networks have become galleries of ode to the ego, of filtered faces so you can't see wrinkles, of photos of what you eat... The world has changed, and it is changing faster and faster, in all areas. The level of politics, press... to give some examples, is lower and lower, and in the cultural field there is more and more supply, but at the same time the overall level is poorer and poorer. Anything goes, anything is published. Everybody gives their opinion even if they don't know, and everything has to be covered with noise, lights and ornaments to cover up the lack of soul.

Noise, ego, transience, emptiness... real art is so far away and so far above these new “gods”, but we are moving so far away from it that it's scary.

Thank you for your time and your words Antonio, see you soon.

Gracias a ti, por supuesto!
Thank you, of course!! see you!!

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Antonio Seijas Cruz (Ares, Coruña 19 luglio 1976) è uno storico dell'arte, illustratore, fotografo, pittore e autore di fumetti.

Innamorarsi dell’arte di Antonio Seijas (www.antonioseijas.com) è una di quelle cose che ti cambiano radicalmente la vita.
A me è bastato un secondo, quando vidi per la prima volta l’artwork di “Night” dei Gazpacho (2007).
La bellezza di quei colori, del vocabolario pregno di poesia celato all’interno di forme e paesaggi, prima o poi obnubila ogni resistenza e diviene parte dell’anima di ogni personalità empatica e sognatrice.
Dopo diverso tempo, la necessità di approfondire, di esplorare l'anima al di là delle apparenze si è resa necessaria, dunque lascio la guida di questo viaggio alle sue parole.

Ciao Antonio e grazie per questa opportunità di conoscerti meglio.
Cosa rappresenta per te la parola arte ed in quale momento del tuo passato hai intuito che questo “mondo” sarebbe divenuta la tua casa? Raccontaci a grandi linee quale è stato il tuo “percorso” di studi e di vita.

Grazie a te! È una domanda complicata, anzi la risposta potrebbe essere complicata perché nessuno sa cosa sia veramente l'ARTE. Ma a livello personale, la tua domanda è la chiave della risposta perché per me è davvero una casa, nel senso che è il mio modo di stare nel mondo, di cercare di capirlo e di capire me stesso. È il luogo da cui lo abito. Insomma, ho sempre interpretato ciò che mi circonda da un punto di vista artistico. Fin da piccolo ho disegnato e scritto su tutto ciò che attirava la mia attenzione. Conservo ancora un "libro" che ho fatto a soli 5 anni, in cui dopo aver visto un documentario sul corpo umano in televisione, ho disegnato le parti del corpo umano al suo interno: costole, organi, vene, ecc, cercando di spiegarne il funzionamento. E poi ho spillato insieme quelle pagine per farne un libro. Voglio dire che non c'è un momento specifico nel passato che mi abbia fatto entrare in quella casa, immagino che, come per altri artisti, sia qualcosa di innato.

I miei studi non hanno nulla a che fare con quello che faccio e allo stesso tempo hanno molto a che fare con esso. Ho provato a studiare Belle Arti ma non sono stato ammesso e quindi ho studiato Storia dell'Arte. Questo significa che a livello pratico non ho studiato come disegnare, dipingere, progettare, ecc. Sono un autodidatta. Ma su un altro piano, aver studiato Storia dell'Arte mi ha arricchito molto come persona, perché apre la tua sensibilità a tante forme artistiche e a tanti modi di vedere il mondo.
Il mio percorso non è mai stato pianificato, è stato semplicemente l'impulso vitale a creare che mi ha portato a fare le cose sino al punto in cui sono ora, in realtà sono ancora sulla stessa strada, non c'è un obiettivo finale in questo.

Ho iniziato a creare dei fumetti brevi e a vincere dei concorsi. Poi ne ho ideato uno lungo e ho vinto un altro concorso, e così iniziai a passare ad altre cose, come illustrare un articolo di rivista, alcune copertine di libri e il mio primo lavoro per i Gazpacho. Da allora ho continuato con tutto questo, e ho aggiunto altre cose come la fotografia, che mi interessa da quando ero bambino, ho pubblicato un romanzo, un libro di poesie (hanno appena confermato che pubblicheranno il mio secondo libro), ho fatto mostre di pittura...

Ci sono artisti, stili ed epoche, che ti hanno maggiormente influenzato?

È molto difficile rispondere a questa domanda, ricordo che da bambino, quando l'era di internet era ancora lontana, la possibilità di accedere all'arte per me non era molto buona, vengo da una città molto piccola, e quello che potevo vedere dell'arte si riduceva ai libri che i miei genitori avevano in casa, che per fortuna erano qualcosa che avevamo. Ricordo che il primo artista che ha attirato la mia attenzione è stato Caspar David Friedrich, che mi ha stupito e meravigliato, e continua a farlo. Mia madre amava molto Van Gogh e mi piaceva anche sfogliare un libro che aveva con le sue opere. Il contatto successivo con l'arte è avvenuto quando andavo a scuola, quello che ha attirato la mia attenzione è stato El Greco, sentivo qualcosa di così spirituale nella sua pittura... Questi sarebbero i miei primi ricordi legati all'arte, oltre a qualche libro illustrato che attirava la mia attenzione o un fumetto.
Da quel momento in poi non ho un punto di riferimento specifico, credo che non solo gli artisti, ma tutto ciò che mi circonda mi influenzi, consciamente e inconsciamente.

Voglio dire, tutto ciò che mi influenza come persona mi influenza artisticamente, anche i libri che leggo o i film che vedo. Tutto lascia un retrogusto che poi si riflette a livello artistico. Sono influenzato dall'ambiente che mi circonda, la luce innanzitutto, ma anche il mare, la natura, gli odori, gli uccelli, gli alberi... È come andare in giro con un ricevitore che capta i piccoli dettagli e poi devo trasformarli in una creazione artistica, qualunque essa sia.
Per quanto riguarda gli stili, qualcosa di simile, non sono una persona che si attiene a uno stile perché ha avuto più successo o perché mi ci trovo più a mio agio. Questa non è arte. Quando ci si ripete perché si hanno buone recensioni o si ha avuto "successo", o perché si sa che si farà bene... mi sembra che si finisca per essere la caricatura di sé stessi.

È lecito, certo, ma credo che l'arte sia più un percorso di domande che una risposta sotto forma di stile o statalismo. E se pensi di aver trovato la risposta, sei morto come artista e il tuo lavoro cessa di avere un'anima, o almeno è un'anima che si sta impoverendo e inaridendo. Mi piace sperimentare ciò che ogni opera mi chiede, cercare nuove strade che mi permettano di esprimere al meglio ciò che voglio, nel modo più preciso possibile, anche se questo è praticamente impossibile.
Ogni volta mi sento sempre più vicino alle epoche più antiche dell'arte, più vado indietro nel tempo, più sento che l'arte è pura. Più si fonde con l'anima, con la connessione a una sorta di fonte primordiale. Evidentemente oggi ci sono cose interessanti, ma l'arte tende ad andare più verso l'involucro che verso il contenuto, tutto è fugace, privo di profondità, tutto è marketing, immagine, l'artista è valutato più per il numero di follower che per la sua opera in sé, che è davvero l'unica cosa importante. Così l'artista si preoccupa più di avere un bella pagina instagram che di creare cose trascendenti, che vadano alla radice di noi stessi come esseri umani.

E mi rendo conto che, pur andando contro i miei interessi più mondani, mi sto allontanando sempre di più da questo mondo vuoto. Picasso ha detto qualcosa del tipo che dall'arte delle caverne tutto è decadenza, e credo di capire sempre di più il significato profondo di questa affermazione.

Le tue creazioni in campo musicale riflettono la tua poetica, che risplende in ogni tratto e viene sublimata dal contenuto quando diviene parte dell’anima di un album. A partire dal terzo album sei ormai un membro “ufficiale” dell’art rock band dei Gazpacho, ma sei anche stato l’artefice di altri artwork per altre formazioni come i Marillion. Prima di approfondire ciò che riguarda il tuo lungo trascorso con il gruppo norvegese, mi faceva piacere conoscere meglio quali sono stati i tuoi lavori in questo settore ma anche in relazione ad altri ambiti creativi.

Grazie per le tue parole. Disegnare e illustrare album è qualcosa che amo, perché ho avuto la fortuna di lavorare per band che ammiro molto. Lavorare su commissione, qualunque essa sia; illustrare libri per bambini, copertine di libri, musica, ecc. è molto diverso dal lavorare su un progetto personale. In un progetto personale sono io stesso a lavorare con il mio materiale. Viene da me e non rispondo a nessuno, è un processo mentale in cui sono coinvolto solo io.

Quando si tratta di una commissione, entra in gioco l'altra parte. Il mio lavoro è mediato da un altro lavoro che può essere un testo o una musica, o entrambi, come nel caso dei booklet degli album. Come ho detto, mi piace, perché devo partire da diversi punti per raggiungere un punto comune. Dietro ogni disco c'è un'idea, come dietro ogni canzone, e ci sono anche i testi, che non devono rispondere letteralmente a ciò che c'è dietro, cioè possono essere molto metaforici. E poi c'è la musica. Potrei dire che i testi possono ispirarmi per l'immagine, i motivi, ecc. e la musica di solito mi ispira per i colori. Quando la ascolto, di solito i demo, sento i colori che la rappresentano per me. Poi, quando arrivo al nocciolo dell'idea, tutto ciò che penso di dover riflettere nelle immagini prende forma.

È un processo che può essere molto lungo o istantaneo, non è qualcosa di fisso, posso vedere qualcosa, ascoltarla e un'immagine appare immediatamente nella mia mente, oppure può andare avanti per settimane fino a quando non trovo lo stile che penso o sento che sia necessario, e in questo caso soffro molto, più di quanto si possa pensare. È cercare di arrivare all'anima della musica. Sentire l'anima dell'opera d'arte di qualcun altro per possederla e restituirla al mondo fisico dopo averla fatta passare attraverso la mia. Ma tenendo sempre presente che il risultato deve essere un insieme, qualcosa di unitario, non che la musica vada da una parte e l'immagine dalla mia. Sono in debito con quel materiale.

Tornando ai Gazpacho, credo che la bellezza dei tuoi dipinti si sposi molto bene con i temi trattati nei loro album, sembra quasi fosse già predestinata da sempre a divenire parte di dischi splendidi come Tick Tock, March Of Ghosts, Missa Atropos, Molok, Soyuz, Fireworker, così come dell’edizione artbook del live Fireworking at St. Croix dello scorso anno, in cui l’edizione deluxe in formato libro d’arte, grazie alle ampie pagine, ha reso piena giustizia al certosino puzzle creativo del tuo pennello.
Ciascuno di questi dischi vede amplificata la propria peculiare qualità grazie al tuo tratto, ai colori che stendi e alle raffigurazioni che di tutto questo si nutrono. In che modo sei entrato in contatto con loro per la prima volta, cosa ti ha affascinato di questa formazione e come si sviluppa la creazione di un booklet per una band così “particolare”?

Grazie ancora! Il contatto è stato un po' casuale, dovevano aprire per i Marillion, e nel forum della band Jon chiedeva aiuto per cercare qualcuno che conoscesse lo spagnolo per tradurre correttamente alcuni testi per il merchandise e io mi sono offerto di aiutarli. Da lì hanno visto il mio lavoro proprio quando stavano finendo l'album "Firebird", di cui avevano già la copertina ma non le immagini interne. Era il mio primo lavoro per un album. Mi erano già piaciuti Bravo, When Earth Lets Go e Firebird, grandi album, ma credo che con Night abbiano fatto un passo avanti per trovare la loro strada, un primo meraviglioso concept album che ti porta attraverso un sogno.

Si viene catturati dalle melodie, dal ritmo che crea, dalla ricchezza musicale, dai testi, dalla meticolosità del loro lavoro e dall'anima che possiede... indipendentemente dal fatto che io abbia fatto o meno i loro disegni, sarebbero comunque uno dei miei gruppi preferiti.
Il processo di creazione dell'artwork è solitamente lungo, inizia più o meno sempre quando Thomas mi invia una prima demo e alcuni commenti sull'idea alla base dell'album e sulla direzione che pensano possa prendere l'artwork. Di tanto in tanto, anche alcuni testi. Da quel momento in poi inizio a pensare allo stile. Devo sentirlo, rileggo i commenti di Tom, ascolto il demo molte volte e lo assorbo lentamente.

A questo punto l'album è di solito ben lungi dall'essere finito e tutto può prendere molte pieghe, anche il concetto iniziale dell'album. È anche normale che i primi disegni non abbiano nulla a che fare con quelli che poi verranno utilizzati. Anche in questo processo di ricerca della direzione dell'artwork Jon è molto attento e partecipe e mi piace ascoltare le sue opinioni e i suoi suggerimenti, perché molte volte mi fanno pensare e capire cose che non avevo realizzato. È un arricchimento. Penso che sia un processo creativo in cui entrambe le parti si alimentano a vicenda in questo scambio di idee fin dalle prime fasi. Per me è un processo che mi fa crescere come artista senza perdere la mia libertà, che spesso si perde nelle commissioni.

L'esempio migliore è la diversità di stili in cui abbiamo lavorato, dai semplici tratti come in Firebird, a qualcosa di minimalista come Tick Tock, fino alla complessità di March of Ghosts, in cui ho realizzato delle figure con la pasta per modellare, le ho posizionate su un palco, ho proiettato delle texture che ho realizzato al computer e dopo aver fotografato la scena ho rielaborato l'immagine in Photoshop. Mi sembra quindi che si tratti di un lavoro d'amore e di co-creazione più che di una commissione. È un legame artistico profondo, in cui a volte ho persino disegnato cose che apparivano in testi che non mi erano ancora stati inviati.
È una band che dà importanza a tutto l'insieme, non trascura nulla, e questo è un aspetto che apprezzo molto.

Non è un gruppo che si concentra sulla musica e cerca solo una copertina "bella" o appariscente. Apprezzano davvero il mio lavoro e gliene sono molto grato.
Per quanto riguarda il formato di Fireworking at St. Croix, penso che sia fantastico, in un mondo sempre più digitalizzato, poter offrire un prodotto fisico di queste dimensioni e qualità. Come dici anche tu, fa una grande differenza vedere un'illustrazione in formato CD piuttosto che in quella dimensione. In questo caso sono tutte immagini non utilizzate o primi schizzi degli album che ne fanno parte.

Personalmente mi sono imbattuto nel tuo calendario solo alla fine del 2019, da allora è divenuto un appuntamento fisso ogni anno, una necessità del cuore di supportare a cadenza regolare la luce che il tuo lavoro mi regala.
Quando hai cominciato con questa “tradizione” e con quale criterio scegli le immagini da inserirvi?

Mi sembra di ricordare che ho realizzato il primo calendario nel 2007 e, a dire il vero, il criterio di scelta delle immagini è molto casuale, a parte un anno in cui ho realizzato delle "monografie" di artwork per "Happiness is the Road" dei Marillion, un altro anno di immagini non utilizzate per lo stesso album e un altro anno ancora in cui vi ho inserito tutte illustrazioni dei Gazpacho. Il resto del tempo passo in rassegna alcuni dei lavori che ho fatto e scelgo qualcosa di vario.

Ogni volta ci metto un po' di più a scegliere perché devo assicurarmi di non ripetere le immagini degli anni precedenti.
Una volta scelte, le assegno a ogni mese, di solito in base ai colori. Quando lavoro, il mio processo mentale parte sempre dal caos per collocare tutto come un puzzle, e mi sono appena resa conto che lavoro un po' così anche per realizzare i calendari. Vivo cercando di dare un senso al continuo caos di idee che ho in testa.
Ho anche pensato di realizzare immagini esclusivamente per il calendario, ma finora non è successo. Vediamo se un anno ci riuscirò!

In un mondo sempre più isolato tra le pieghe delle coscienze egoistiche e insensibili del singolo, dell’oppressione della bellezza a scapito del consumismo di massa, che ruolo ritiene abbia o sia auspicabile debba avere l’arte, di qualsiasi genere essa sia?

È una questione molto complessa, come ho detto all'inizio. Ma è ovvio quello che tu dici: siamo in una società in cui l'ego è sempre più predominante, basta guardare i social network. E dall'altro lato, una società in cui l'idea di cultura e di arte viene pervertita e, di conseguenza, persa. La "cultura" è già intesa da molti come "intrattenimento", con il pericolo che ciò comporta. Per loro la funzione della cultura, dell'arte, è quella di intrattenere, il che porta a identificarla attraverso questi parametri. Voglio dire, l'arte può intrattenere, questo è chiaro, è parte di ciò che può darci. Ma non tutto ciò che intrattiene è arte o cultura. Qualcosa che credo sia fondamentale viene lasciato da parte. L'anima, la purezza dell'arte, la sua profondità e trascendenza. Che tocca la parte più intima di ciò che siamo come esseri umani.

Non si può valutare un'opera in base al numero di like, né un artista in base al numero di follower. È una questione che trovo molto preoccupante, non solo aneddotica, perché, come ho detto prima, spesso "costringe" gli artisti a preoccuparsi più di dare un'immagine, in modo che le loro pareti di Instagram mantengano un aspetto attraente, che di creare opere trascendenti. Come ho detto, c'è la tendenza a dare più importanza alla confezione che al contenuto. Tutto è diventato fugace, dimenticabile, privo di profondità. È tutto vano, senz'anima. È tutto un prodotto di consumo da vedere e gettare via. È qualcosa che si è visto, ad esempio, con le serie televisive: improvvisamente sembra che la gente debba guardare una serie dopo l'altra, senza filtro, quasi tutte le serie ma senza smettere di guardarle, una sorta di voracità selvaggia e illimitata.

Occupa ogni spazio temporale della nostra vita, senza lasciare spazio alla riflessione, al dolce e tranquillo riposo delle cose.
Vedo molti quadri di artisti che dipingono davvero bene, ma la mancanza di anima si nota nel fatto che sono opere che si dimenticano subito, che sembrano esser state dipinte mentre nel frattempo si guardava una qualsiasi cosa in TV, e se non si mette l'anima in quello che si fa, quell'opera, per quanto sia estetica, nasce morta e vuota.
L'arte dovrebbe essere uno strumento importante per fermare questa infantilizzazione della società, ma non sono molto ottimista al riguardo. La civiltà come la conoscevamo si sta estinguendo a favore della civiltà digitale, che ha molte cose buone, ma serve ad abbagliare, nel senso cattivo del termine, le cose rilevanti.

Ci rende ciechi alla loro presenza. Le reti sono diventate gallerie di ode all'ego, di volti filtrati per non vedere le rughe, di foto di ciò che si mangia... Il mondo è cambiato, e sta cambiando sempre più velocemente, in tutti i settori. Il livello della politica, della stampa... per fare qualche esempio, è sempre più basso, e nel campo culturale c'è sempre più offerta, ma allo stesso tempo il livello generale è sempre più povero. Tutto va bene, tutto viene pubblicato. Tutti danno la loro opinione anche se non sanno di cosa stanno parlando, e tutto deve essere ricoperto di rumore, luci e ornamenti per coprire la mancanza di anima.
Rumore, ego, caducità, vuoto... La vera arte è così lontana e così al di sopra di questi nuovi "dei", ma ci stiamo allontanando così tanto da far paura.

Grazie del tuo tempo e delle tue parole Antonio, a presto!
Grazie a te naturalmente!!! A presto!
Articolo del  12/02/2023 -  ©2002 - 2024 Extra! Music Magazine - Tutti i diritti riservati